Acústica arquitectónica

La acústica arquitectónica es una rama de la acústica aplicada a la arquitectura, que estudia el control acústico en locales y edificios, bien sea para lograr un adecuado aislamiento acústico entre diferentes recintos, o para mejorar el acondicionamiento acústico en el interior de locales. La acústica arquitectónica estudia el control del sonido en lugares abiertos (al aire libre) o en espacios cerrados.
Las características acústicas de cada sala dependerán del uso que vayan a tener. Las dos tendencias actuales principales aplicadas en el diseño de estudios de grabación son: Non-Environment y LEDE.

Non-Environment

Desarrollada por Tom Hidley, para su proyecto de graduación en el Institute of Sound and Vibration Research de la Universidad de Southampton. Su proyecto fue una sala semianecoica con una pared reflectante que soporte los altavoces (pantalla infinita), así el factor Q de los nodos en baja frecuencia es tan ancho que desaparece y la respuesta tonal de la sala es más uniforme. Para evitar la excesiva utilización de absorbentes acústicos, se usa un sistema de guía de ondas, consistente en colocar los paneles alineados en la dirección de propagación.

La principal ventaja es que en los estudios con estas características una misma grabación suena exactamente igual en dos estudios diferentes y que el refuerzo en graves es mayor.

LEDE

LEDE (LIVE END - DEAD END), fue desarrollado por Don Davis y Caroline Davis. Como su propio nombre indica, se trata de crear a base de elementos absorbentes y difusores un recinto en el que la parte posterior del mismo tenga el mínimo posible de reflexiones (DEAD END) y la parte delantera sea reflectante (LIVE END), de tal manera que el sonido directo llegue a la posición de escucha lo más libre posible de reflexiones nocivas. Consiste en la utilización de absorbentes y reflectores acústicos con el fin de evitar que las reflexiones que produzcan interferencias en forma de peine o "comb-filters" (sumas de interferencias constructiva y destructivas) que se da cuando a una señal se le suman las réplicas de ellas, alterando la respuesta en frecuencia.

DJay para iPad

Una aplicación para DJs en iPad, que permite convertir al dispositivo de Apple en un mezclador con dos bandejas, con posibilidad de hacer scratch, variar tempo, pitch, y utilizar toda la librería de música almacenada.

Sistemas DJ para el hogar de Pioneer.

Hace unos años era difícil imaginar en el seno de nuestros hogares un equipo profesional con la misma calidad y simpleza, como los que usan los DJ’s. Estos nuevos equipos tienen unas características que les permiten a los usuarios ser DJs amateurs desde cualquier rincón del hogar.
El nuevo CDJ- 350 blanco perla, permite gozar de algunas funciones como compatibilidad con cualquier tipo de formato, ver los beats y posiciones de reproducción en una canción, dando la sensación de estar “viendo y tocando el sonido”, gran resistencia a las vibraciones, retirar un disco y que vuelva al estado anterior cuando se vuelva a cargar, función amigable que pone al dispositivo en espera cuando no se detecta uso.
El mezclador DJM-350 que también viene ahora en color blanco perla, permite reproducir directamente un dispositivo de almacenamiento USB sin una computadora o dispositivo de grabación, incluye efectos de ruido y eco breve que a menudo son utilizados por DJ profesionales y ecualizador de tres bandas aisladas ALTO, MEDIO y BAJO que pueden controlarse individualmente.

El Boomcase, la valija musical.

El Boomcase es un sistema portátil de amplificación para cualquier tipo de reproductor de mp3, o incluso para instrumentos musicales. Básicamente, consiste en un amplificador, parlantes y una batería, elegantemente dispuestos en un portafolio o attaché, para llevar adónde sea.
Creado por Mr. Simo, cada Boomcase se fabrica artesanalmente con detalles al gusto del usuario.

Wiener Musikverein

A estas alturas de año, en el que queremos aprovechar la oportunidad para desearos unas felices fiestas a todos, no podemos dejaros otra cosa que este post tan navideño.

El Wiener Musikverein es una sala de conciertos situada en Viena (Austria) y construida en 1870. Es la sede de la Orquesta filarmónica de Viena.

Es famosa por su excepcional acústica, que la sitúan entre las tres mejores salas del mundo en lo que respecta a la sonoridad, junto con el Symphony Hall de Boston, y el Concertgebouw de Ámsterdam, y por albergar el más famoso concierto de música clásica: el Concierto de Año Nuevo (Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker).

Este concierto se celebra desde 1939 y varias televisiones lo retrasmiten en directo a más de 55 países. Se estima que más de mil millones de personas lo ven. La Goldener Saal (Sala de oro), donde se celebra el concierto, tiene 48 metros de longitud, 19 de anchura y 18 de altura. Cuenta con 1.744 asientos y unas 300 plazas de pie.

El concierto consiste en famosas piezas de grandes compositores (aunque principalmente de la familia Strauss):

- Orpheus

- El Danubio Azul (An der schönen blauen Donau)

- El concierto siempre finaliza con la marcha Radetzky (Radetzkymarsch)

Las entradas valen de 30 euros hasta 940 euros. Para poder conseguirlas lo que hace falta, entre otras cosas, es tener mucha suerte. Debido a la gran demanda, la página web de la filarmónica de Viena abre a principios de año un formulario en el que cualquier persona podrá inscribirse para participar en el sorteo de las entradas. Podeís probar en la web http://www.wienerphilharmoniker.at/

La música y las matemáticas

Pitágoras estudió la naturaleza de los sonidos musicales. Fue él quien descubrió que existía una relación numérica entre tonos que sonaban “armónicos” y fue el primero en darse cuenta de que la música, podía ser medida por medio de razones de enteros. Sabemos que el sonido producido al tocar una cuerda depende de la longitud, grosor y tensión de la misma. Entendemos que cualquiera de estas variables afecta la frecuencia de vibración de la cuerda. Lo que Pitágoras descubrió es que al dividir la cuerda en ciertas proporciones era capaz de producir sonidos placenteros al oído. Eso era una maravillosa confirmación de su teoría. Números y belleza eran uno. El mundo físico y el emocional podían ser descritos con números sencillos y existía una relación armónica entre todos los fenómenos perceptibles.

La razón por la cual encontramos a estos intervalos más agradables que otros tiene que ver con la física de la cuerda tocada. Cuando una cuerda de 36 cm se rasga, no sólo se produce una onda de 36 cm, sino que además se forman dos ondas de 18 cm, tres de 12, cuatro de 9, y así sucesivamente. La cuerda vibra en mitades, tercios, cuartos, etcétera. Y cada vibración subsidiaria produce “armónicos”, estas longitudes de onda producen una secuencia de armónicos, 1/2, 1/3, 1/4… de la longitud de la cuerda. Los sonidos son más agudos y mucho más suaves que el sonido de la cuerda completa (llamada “la fundamental”) y generalmente la gente no los escucha pero son los que hacen que los instrumentos musicales suenen diferentes entre sí. Ya que Do y Sol, a una distancia de quinta, comparten muchos de los mismos armónicos, estos sonidos se mezclan produciendo un resultado agradable.

Sin embargo, Pitágoras no sabía nada de armónicos. Él sólo sabía que la longitud de la cuerda con las razones 1:2 y 2:3 producía unas combinaciones de sonidos agradables y construyó una escala a partir de estas proporciones. En sus experimentos, Pitágoras descubrió tres intervalos que consideraba consonantes: el diapasón, el diapente y el diatesaron. Los llamamos la octava, la quinta y la cuarta porque corresponden al octavo, cuarto y quinto sonidos de la que conocemos como escala pitagórica diatónica.

Los pitagóricos no sabían de ondas sonoras ni de frecuencias ni de cómo la anatomía del oído afecta la altura de un sonido. Una de las enseñanzas clave de la escuela pitagórica era que los números lo eran todo y nada se podía concebir o crear sin éstos. En el caso de la música simbolizaba las proporciones entre las notas empezando por la proporción 1:2 para la octava.

En la época de los antiguos griegos, los pitagóricos desarrollaron una división del curriculum llamado quadrivium en donde la música se consideraba una disciplina matemática que manejaba relaciones de números, razones y proporciones. El quadrivium (aritmética, música, geometría y astronomía), con el agregado del trivium (gramática, retórica y dialéctica), se convirtieron en las siete artes liberales, pero la posición de la música como un subconjunto de las matemáticas permaneció durante la Edad Media.

Vocoders

Un vocoder es un analizador y sintetizador de voz. Su primer uso fue la seguridad en radiocomunicaciones, donde la voz tiene que ser digitalizada, cifrada y transmitida por un canal de ancho de banda estrecho.
El vocoder se ha usado también como instrumento musical. Como instrumento, es usado con guitarras y sintetizadores y produce un sonido de «guitarra parlante» o «teclado parlante», según el instrumento. Los vocoders son usados con frecuencia para crear el sonido de un robot hablando. También ha sido utilizado con frecuencia en música electrónica y hip hop.
El vocoder examina el habla encontrando su onda básica, que es la frecuencia fundamental, y midiendo cómo cambian las características espectrales con el tiempo grabando el habla. Esto da como resultado una serie de números representando esas frecuencias modificadas en un tiempo particular a medida que el usuario habla. Al hacer esto, el vocoder reduce en gran medida la cantidad de información necesaria para almacenar el habla. Para recrear el habla, el vocoder simplemente revierte el proceso, creando la frecuencia fundamental en un oscilador electrónico y pasando su resultado por una serie de filtros basado en la secuencia original de símbolos.

Reverberación

La reverberación es un fenómeno derivado de la reflexión del sonido que consiste en una ligera permanencia del sonido una vez que el sonido original se ha extinguido debido a las ondas reflejadas. Las ondas reflejadas sufrirán un retardo inferior a  50 milisegundos, que es el valor de la persistencia acústica, tiempo que le  correspondería, de forma teórica, a una distancia recorrida de 17 metros a la velocidad del sonido. Cuando el retardo es mayor ya no hablamos de reverberación, sino de eco.
Se utiliza este efecto en la producción de música ya que el hecho de utilizar efectos de reverb en las grabaciones supone una mayor facilidad para emplazar cada pista en un plano concreto respecto a las demás pistas, independientemente del volumen que usemos para cada una de ellas. También añade carácter natural y espacial a las grabaciones, ya que una producción sin efecto en ninguna de sus pistas puede resultar un tanto seca y áspera al oído.