Utiliza una guitarra del Rock Band 3 con GarageBand

En Mac/Life han publicado un tutorial de cómo utilizar las guitarras del videojuego Rock Band 3 como instrumento en GarageBand.
Las guitarras de Rock Band 3 tienen un interfaz MIDI, lo que permite poder grabar lo que se toca con ellas o poder tocar en directo con GarageBand, aplicando efectos del programa. En concreto, la guitarra que ilustra la entrada tiene botones en los trastes y una serie de cuerdas simuladas que son las que tocamos, pero que no suena nada mal. Otro valor añadido es la posibilidad de aplicar acompañamientos o duplicar la pista con otros instrumentos simulados, ya que no deja de ser una entrada MIDI.  

Altavoces direccionales

La empresa Audio Spotlight está comercializando una tecnología de audio llamada holosónica que permite concentrar el sonido en un espacio muy reducido como si fuera un foco de luz. Así por ejemplo una persona puede estar en el radio de acción de un altavoz holosónico escuchando música y otra, a apenas un par de metros de distancia, oyendo algo completamente distinto o el silencio más absoluto.

El altavoz de Audio Spotlight es como un plato grande, lo que permite moverlo, adaptarlo y acoplarlo a voluntad. Y funciona como si en vez de sonido emitiera un rayo de luz unidireccional. Un  video de National Geographic muestra cómo funcionan estos altavoces. Incluso hicieron pruebas en una biblioteca, hablando a algunos visitantes sin molestar a otros.

La tecnología funciona convirtiendo las palabras o música en ultrasonidos de alta frecuencia. Tan alta que nadie puede oírlos pero se pueden dirigir como si fueran un foco de luz. Y aunque esos ultrasonidos no pueden ser escuchados por el oído humano, provocan unas vibraciones en el aire que sí se perciben. Y la tecnología holosónica crea unos “focos de ultrasonidos” tan estrechos que permiten ser dirigidos con mucha precisión.

Histroria de la acústica II: Teatros romanos - Aspendos

Posteriormente a los griegos, serán los romanos los que desarrollarán un sistema más complejo de estudio de la acústica en los teatros al aire libre. La primera referencia escrita se remonta al arquitecto romano Vitrubio, el cual propone en su obra el empleo de vasos de resonancia situados estratégicamente entre la audiencia.

Ilustración I. Ruinas teatro de Vitrubio

Los teatros romanos diferían de los teatros griegos en su comportamiento acústico. Por detrás del escenario existía una pared muy elevada repleta de elementos decorativos muy elaborados, denominada scaenae frons. La zona denominada orchestra tenía una forma semicircular, al igual que las gradas del público, y estaba ocupada generalmente por los senadores. Este hecho exigía que la altura del escenario fuera menor a la de los teatros griegos a fin de conseguir que la visión desde dicha zona fuera correcta y además impedía que actuase como superficie generadora de primeras reflexiones hacia los espectadores debido a la absorción acústica propia de los senadores. Dicha altura era del orden de 1,50 m.

Para mantener unas condiciones de óptima inteligibilidad en todos los puntos, era imprescindible reducir las dimensiones en relación con los teatros griegos, y al mismo tiempo garantizar la existencia de una elevada pendiente de las gradas de entre 30º y 34º. Si escogemos un teatro característico de la época romana como el teatro de Aspendos, observamos que su capacidad es de 6.000 espectadores y la distancia entre el escenario y el asiento más alejado es de 53 m, mucho más bajo que en Epidauro.

Ilustración II. Ruinas del teatro romano Aspendos

Los teatros romanos disponían de otro elemento acústicamente activo, el velarium, una lona que protegía a los espectadores del sol. Si bien este material es medianamente reflectante, se puede considerar que su presencia no daba lugar a la reverberación. Si la lona hubiera cubierto la totalidad del teatro, la reverberación habría sido tan elevada que habría impedido su uso como teatro debido a la pérdida de inteligibilidad.

A medida que el ruido general de los mercados que rodeaban los teatros crecía, se fue haciendo necesaria la protección mediante pantallas acústicas del teatro. La construcción de muros y edificios tras el escenario no se debía únicamente a necesidades acústicas  sino también a necesidades de la propia representación, pero lo cierto es que esas edificaciones se fueron modificando para favorecer la distribución del sonido, actuando los muros de los edificios como reflectores para reforzar el sonido directo de los actores.

Histroria de la acústica I: Teatros griegos - Epidauro

El estudio científico de la acústica, particularmente la acústica de teatros se remonta a los teatros griegos como el de Epidauro.

Los teatros griegos y posteriormente los romanos se preocuparon de perfeccionar la proyección de las voces de los actores hacia la audiencia. Al aire libre, el único sonido que se propaga desde la fuente hasta el receptor es el sonido directo. La máxima distancia a la que se puede oír un mensaje oral emitido en una zona de máximo silencio (con ausencia total de viento, es de 42 m en la dirección frontal del orador, de 30 m lateralmente y de 17 m en la dirección posterior).

En Epidauro el asiento más alejado del escenario se encontraba a 70 m y la inteligibilidad en ese punto es sorprendentemente buena. La explicación se debe a que el teatro se hallaba ubicado en una zona con ruido ambiental extremadamente bajo y que además el sonido directo que llegaba a cada punto se veía reforzado por la existencia de primeras reflexiones (retardo máximo de 50 ms respecto a la llegada del sonido directo). Tales reflexiones se generaban en la plataforma circular altamente reflectante situada entre el escenario y las gradas, denominada orchestra.

La existencia de una primera reflexión (consonancia) generada por una superficie totalmente reflectante produce un incremento de 3 dB en el nivel de presión sonora, ya que la energía sonora se dobla. Ello da lugar a un factor de aumento neto de la distancia límite de 1,4142. Por lo tanto, la distancia límite en la dirección frontal pasaría a ser del orden de 60 m. Si además teniendo en consideración la reflexión producida por la pared posterior del escenario y las máscaras utilizadas por los actores, que al parecer desempeñaban una función acústica al actuar como un megáfono por delante de la boca, justifican el hecho de alcanzar los 70 m de Epidauro. Y por tanto esa es la razón por la que tenía un aforo de 14.000 espectadores, una cifra muy superior a los teatros romanos posteriores. Para hacerse una idea, los mayores teatros actuales no suelen sobrepasar los 1.500 espectadores.

Otra característica de los teatros griegos era la fuerte pendiente de sus gradas, lo que era beneficioso para obtener mayores ángulos de incidencia del sonido directo y reflejado. En concreto, el teatro de Epidauro disponía del círculo interior con una pendiente de 26,2º, el anillo exterior de 26,5º, mientras que el ángulo formado por el plano de las gradas y las diversas reflexiones sobre la plataforma circular era siempre mayor que 5º. Eso se conseguía debido a que la altura del escenario no superaba los 3,50 m.

Cámara anecoica

Una cámara anecoica o anecoide es una sala especialmente diseñada para absorber el sonido que incide sobre las paredes, el suelo y el techo de la misma cámara, anulando los efectos de eco y reverberación del sonido.

La sala anecoica está diseñada para reducir, en la medida de lo posible, la reflexión del sonido: las cámaras anecoicas están aisladas del exterior y constan de unas paredes recubiertas con cuñas en forma de pirámide  con la base apoyada sobre la pared, construidas con materiales que absorben el sonido y aumentan la dispersión del escaso sonido que no se absorbe. Entre estos materiales están la fibra de vidrio o espumas.

Se utilizan con frecuencia para los micrófonos de ensayo, medida exacta de las propiedades acústicas de los distintos instrumentos, determinar exactamente cuánta energía se transfiere en dispositivos electro-acústica, y la realización de experimentos delicados  a  psicoacústica.

Una carretera musical

Hace unos años en Japón debieron pensar que circular por algunas carreteras era aburrido, y decidieron animar la cosa con un poco de música. Crearon así las primeras carreteras que emiten música debido a la circulación de un coche.

La idea fue de Shizuo Shinoda, miembro del Hokkaido Industrials Research Institute, que quería comprobar si al pasar un coche por una carretera a una cierta velocidad podía tocar una melodía. Para ello, crearon miles de surcos perfectos de entre 6 y 12 mm de ancho. Estos surcos representan unos 30 segundos de melodías japonesas. Existen tres carreteras musicales muy próximas, en Hokkaido, Wakayama y Gunma, y la velocidad óptima a la que se debe circular para poder escuchar la melodía es de unos 40 km/h, de manera constante y con las ventanillas bajadas.

Incluso te avisan del comienzo de la carretera musical, para que puedas prepararte y disfrutar de la melodía.

Aunque parezca increíble, es cierto. Ahora, un par de vídeos en los que podemos corroborar que las carreteras "tocan música".

Investigando un poco esto de las carreteras musicales, he encontrado otra. Parece ser que los japoneses no son los únicos que se dedican a esto. En Lancaster, California, hay otra carretera musical. Fue creada para un anuncio de Honda. Ahí tenéis el vídeo ;)

¿Quién necesita instrumentos?

El beatboxing, es la habilidad de imitar sonidos con la boca, principalmente instrumentos y cajas de ritmos, aunque también se usa como colchón rítmico para el rap improvisado en la calle.
La idea del mismo es crear desde algo simple como beats, rhytms y melodías, hasta imitaciones de instrumentos musicales, efectos especiales o scratching, entre otros, pudiéndose crear canciones estructuradas con diversos patrones rítmicos o melódicos. Su nombre viene de la primera generación de máquinas de ritmos, llamadas comúnmente “Beat Boxes”.

Órganos de mar

En San Francisco

En un muelle de la bahía de San Francisco existe un órgano activado por las olas.

El concepto fue desarrollado por Peter Richards e instalado en colaboración con el maestro escultor George Gonzales. La inspiración para realizar esta contruccion proviene de las grabaciones que realizaba el artista Bill Fontana de los sonidos que emanaban de un tubo de ventilación de un muelle de cemento en Sidney.

El embarcadero sobre el que se sitúa esta escultura acústica está construido con materiales de un cementerio demolido proporcionando una variedad de granito tallado y mármol colocado al azar. La instalación dispone ed 25 tubos de PVC y de hormigón situados a diferentes alturas, permitiendo el ascenso y caída de las mareas.

El sonido se produce por el impacto de las olas en un extremo del tubo, y el movimiento del agua en el interior de éste. Hay una gran variedad de zonas para poder escuchar los 25 tubos con diferentes notas.

En Zadar (Croacia)

Sin embargo, el órgano de mar más conocido es el situado en Zadar. Éste se encuentra bajo el paseo marítimo de la ciudad y mide 75 m de largo. Dispone de 35 tubos separados cada 1.5 m con unas aberturas de silbido afinadas.

Esta obra maestra de la acústica y la arquitectura fue creada por los Dalmatian Stone Carvers y el arquitecto Nikola Basic en 2005. Esta estructura incorpora en su interior un mecanismo de tubos que transforma en sonidos el aire empujado por las olas, transformando la estructura arquitectónica en una suerte de gran instrumento musical cuya melodía impredecible suena incesantemente.

Los vaivenes del mar hacen que los tubos de plástico sumergidos en el agua, expulsen y aspiren aire. Debajo del primer escalón encontramos las aberturas por donde se crea el sonido. Son tubos perpendiculares al que está en contacto con el mar. Los 7 grupos sucesivos de tubos se templan alternativamente a dos acordes de la escala principal diatónica. Un oyente sentando en la escalinata debería ser capaz de oír de 5 a 7 tubos. El resultado de los acordes es una música totalmente misteriosa, magnífica, a veces parece un coro humano, o campanas, o un barco que llega o un órgano de iglesia, pero nunca es igual.

Para mi gusto, mucho más bonito el órgano de mar de Zadar. ¡Espero que os haya resultado interesante!

El canon del Cangrejo

 El canon es una composición musical que consiste en la incorporación progresiva de distintas voces que repiten de manera estricta la melodía de la voz principal. Resulta sorprendente el Canon del Cangrejo de J.S. Bach, pues el acompañamiento repite exactamente la voz principal pero en sentido inverso, esto es, una melodía interpretada marcha atrás sirve de acompañamiento a sí misma. Esto se puede observar en la propia partitura, en la que el pentagrama de abajo repite lo mismo que el de arriba pero invertido en el tiempo.

Este concierto no esta hecho para humanos.

En Sydney, en el festival Vivid Live organizado por el artista Loud Reed, se presentó un evento con sonidos de frecuencias solo audibles para perros.

En este evento se titulo "Musica para perros" en la que su autora, Anderson, experimentó con sonidos de altas frecuencias inaudibles (fuera del umbral del oido humano) que disfrutaron los perros en este concierto. Únicamente duró unos 20 minutos, ya que el nivel de atención de estos animales no supera ese tiempo.

De hecho, se han creado canciones y comercializado CD's con música para estos animales con el fin de calmarlos, sin que su dueño pueda apenas apreciarlo.

Control automático de niveles de audio para broadcasting

Ensemble Designs presentó un nuevo control automático de niveles de audio para la industria televisiva. LevelTrack le permite controlar las diferencias de niveles de audio entre varios programas, segmentos dentro de un programa y anuncios comerciales.
Este control corregirá las desigualdades en los niveles de volumen que son frecuentes debido a las diferencias entre distintos proveedores y las herramientas dispares utilizadas.
Al ajustar el nivel global de la señal en lugar de enmascarar los errores con la compresión, no se pone en peligro la dinámica interna del material.

Con este control de niveles de audio se podría evitar compresores manteniendo el material más fideligno al original.

Hablando de versiones...

... Sting demuestra una vez más la versatilidad de algunos intérpretes.

Con su gira Symphonicity da una vuelta de tuerca más al tema de las versiones. El artista interpreta temas tanto de The Police como suyos propios acompañados de la Royal Philarmonic Orchestra. Canciones como Englishman In New York o Every Breath you take, con un nuevo ritmo.

Esto demuestra las ganas de innovar y experimentar de un artista veterano como Sting con nuevas inquietudes día a día.

Sin embargo esta técnica no es nueva. Otros grupos como Queen o Deep Purple ya recurrieron al acompañamiento de orquestas sinfónicas para realizar diversas versiones.

Y esto, ¿cómo se toca?

Por instrumentos raros en el mundo que no sea. Hoy os quería mostrar la Ibanez JEM Tripleneck que, cómo podéis ver, posee ni más ni menos que tres mástiles. El primer mástil es de 12 cuerdas, el segundo pertenece básicamente un guitarra JEM standard de 6 cuerdas, y el tercero es un mástil fretless (sin trastes) de otras tantas cuerdas.

En respuesta al título del post, no puedo responder otra cosa que no sea: "con una habilidad para la guitarra fuera de serie". Y es que son realmente pocos los que serían capaces de tocar algo así y no quedar en ridículo. Ésta en concreto fue utilizada por Steve Vai, entre otras ocasiones, en una actuación en el G3 de Denver en el año 2003, de la cual podéis disfrutar al final de la entrada y así reafirmar mi respuesta.

Pero la cosa no termina aquí. Existen distintos modelos de 2, de 3, de 4 e incluso de hasta 6 mástiles. Como ejemplo, os dejo una imagen de Michael Angelo Batio que, con el afán de superar a Vai, va un paso más allá y se atreve con la guitarra de 4 mástiles.



Y, como lo prometido es deuda, aquí tenéis la actuación de Vai. Espero que os guste.

Un instrumento raro

Después de la publicación de la entrada de la música con copas de agua, y la interpretación de una pieza de música con una armónica de cristal, me entró la curiosidad sobre este tipo de instrumentos. Resulta que el intérprete del video de dicha entrada es Thomas Bloch, que se define a sí mismo como un músico de instrumentos raros.

Curioseando en su página web podemos encontrar diversos instrumentos. El más relacionado con la ármonica de cristal es el llamado Cristal Baschet. Es básicamente un órgano de cristal, con ciertas modificaciones. Se trata de 56 varillas de cristal afinadas, que se frotan con los dedos húmedos. Por ello, su funcionamiento es cercano al de la ármonica de cristal. Sin embargo,  en este órgano de cristal , la vibración del cristal se transmite mediante una varilla metálica a otro gran bloque de metal. La longitud de dicha varilla metálica define la frecuencia del tono producido por cada varilla de cristal. De la amplificación del sonido se encargan varios conos de fibra de vidrio y una placa metálica con forma de llama, tal y como puede observarse en las fotografías.

Un ejemplo de interpretación con este instrumento:

Espero que os haya gustado el post, o al menos resultado curioso. Si queréis más infomación sobre la actividad realizada por Thomas Bloch o sobre algún otro instrumento podéis encontrarla en su página web: http://www.thomasbloch.net/en_home.html